Entre las tantas etapas y tendencias que se han desarrollado a lo largo de la historia del teatro universal, la comedia dell ' arte ocupa un lugar privilegiado por ser fuente y conclusión de distintos procesos que se llevaron a cabo en distintos momentos del último milenio. Hablar de la comedia dellarte es también hablar de los juglares, de las cortes medievales, de la comedia clásica latina, de la pantomima, del vaudeville francés, etc.; es una corriente que tal vez ya no exista en su estado puro, pero que sus tentáculos han tocado otras maneras de pensar y hacer teatro, incluso revelando su presencia aún hoy en estos días, obligando a los interesados en el quehacer teatral a repensarla y entenderla, por lo que ahora es un desafío acercarse a sus maneras, tan amplias y complejas, que ha llevado a muchos a confundir su espíritu con otras formas como el circo o la parodia. Este artículo pretende ser un inicial abrebocas para el profano interesado en entrar al universo de la comedia dell ' arte, universo único con sus propias reglas y características.
Esta tendencia teatral nace a mediados del S. XVI en Italia como una reacción ante la escritura teatral erudita y clasicista que predominaba en el momento. El público se aburría en las plazas y los actores se morían de hambre. Como dato curioso, la actuación empezaba a considerarse una profesión que exigía una preparación especial como cualquier otro oficio serio pero las piezas que se montaban eran ajenas al público y para un actor que deseaba sobrevivir de su arte, esto era un problema. Por aquel entonces las pequeñas compañías que se formaban, trabajaban con piezas de repertorio de dramas y tragedias pastorales, además de algunas piezas francesas y comedias de origen latino, pero su desarrollo era tan pobre para el público en general que los actores ante esta situación decidieron tomar distancia con respecto al autor tradicional dramático y asumir el montaje teatral de una manera más personal y compleja. En general, la comedia dellarte era una reacción de los actores en contra de la comedia literaria y como nuevo leitmotiv, ante la ausencia de poesía habría espectáculo.
Estas nuevas compañías teatrales dentro de esa búsqueda de profesionalización, decidieron especializar su trabajo ahondando en un adiestramiento de tipo vocal, mímico, acrobático y cultural, y el mejor espacio para desplegar esa técnica fue la comedia o soggetto que empezaba a desarrollarse en esos momentos: una comedia cuya única parte escrita era el argumento o la trama, dejando el desarrollo dialogado y mímico a la libre improvisación de los actores. Esta nueva comedia o farsa improvisada incluyó el uso de máscaras, personajes tipo, desarrollo de varias historias en la trama e inclusión de otros recursos como la acrobacia y la música. Este nueva forma de hacer teatro fue supremamente exitosa y se le asigno el nombre de comedia dellarte, término que aparece por primera vez en 1561 y que perduró durante los dos siglos siguientes hasta que Goldoni y Gozzi cerraron este ciclo dándole otra significación a este tipo de espectáculos.
Algunos teóricos enmarcan el origen de la comedia dell ' arte en la literatura latina, más exactamente en las farsas de campania, en donde predominan cuatro tipos de fábulas atelanas: Pappus, Maccus, Buceo y Dossennus, pero hoy esa teoría es rebatida y tachada de improbable. La que actualmente se maneja parte del desarrollo de un tipo de comedia en la que se destacan las cualidades eternas del actor italiano y se utilizan los cánones de la comedia escrita clasicista y erudita, en especial de Plauto y de Terencio, pero obviamente con una resignificación y desprendiéndose del estilo de muchos de sus diálogos. Hay cerca de 800 argumentos ubicados en la actualidad, divididos en distintas compilaciones, entre las que se destacan la de Flaminio Scala (1611), Basilio Locatelli (1618-1622), entre otras. Estos argumentos trabajan la fábula doble, que en realidad da prioridad al desarrollo de varias intrigas amorosas de manera simultanea, jugando muy a menudo con el amor no correspondido y los malentendidos, por ejemplo el personaje A ama al personaje B, el personaje B ama al personaje e, y el personaje e ama al personaje D, pero el personaje D ama al personaje A.
En estos argumentos los temas más recurrentes tiene que ver con sustituciones, malentendidos exagerados, cambios de identidad, hijos naturales, burlas, intervenciones mágicas, apaleamientos, volteretas, alusiones obscenas, representaciones fisiológicas y sexuales, elementos que duraron mucho tiempo en el repertorio, es decir un teatro popular llenos de gags y clichés, que también influyeron en su decadencia, ya que por momentos, esa búsqueda de humor facilista trajo efectos contraproducentes en los espectadores hasta el punto que se necesito darle un nuevo aire a la comedia.
Algunas líneas más arriba, enunciaba la importancia de la improvisación en la construcción del espectáculo lo cual podría entenderse como un acto irresponsable con un público pero en realidad esta libertad del actor tenía unas reglas e implicaba un mayor compromiso de este. Antes de cada presentación, los actores alrededor de la figura del director, que podía ser cualquiera de los actores y que era llamado "corago", preparaban la obra y esto consistía en delinear las líneas argumentales a seguir y a partir de allí cada actor se defendía con una serie de herramientas que le facilitaban desenvolverse mejor en el escenario. Estas herramientas eran unos formularios diseñados para cada personaje llenos de frases, respuestas, soliloquios, giros idiomáticos, etc., que eran utilizados, según la oportunidad que se presentaba en cada función. En los narradores orales de hoy podemos ver ese tipo de circunstancias, por ejemplo cuando se increpa de manera especial a una mujer del público o frente a la reacción del público el artista lanza una frase contestataria, en fin, estos formularios le abrían una cantidad de opciones al actor para no "patinar" durante la función. Para dar una mejor idea de lo que eran los textos que manejaban los actores en esa época, aquí les doy un breve ejemplo:
Olivetta ha sido enviada a hablar con Isabella sobre Orazio. En ese momento Pedrolino procedente de la casa de Isabella se entera por Olivetta de cómo ésta ha hablado con Isabella sobre Orazio y El capitán. Pedrolino la envía a la casa, prometiéndole que él ahora se encargará del asunto. Ella se va y el se queda.[1]
En estos textos no se ofrecían diálogos y solo se indicaban las entradas y salidas de los personajes con el asunto a desarrollar en las diferentes escenas, el resto le quedaba al actor.
Otro elemento de gran importancia en la comedia dell ' arte eran la caracterización de los personajes y la utilización de las mascaras. Sus personajes eran una variación de los que se utilizaba en la comedia clásica: viejos, jóvenes enamorados, criados, alcahuetes, personajes pedantes y fanfarronescas, los cuales eran interpretados recurrentemente función tras función, las historias cambiaban pero en escena siempre se veían los mismos, era casi como una comedia televisiva en donde hay unos personajes que aparecen en todos los capítulos. El desarrollo de este tipo de teatro representó entonces la priorización del desarrollo de los personajes sobre la construcción dramatúrgica de la pieza siendo el desempeño del actor quien definía el éxito o el fracaso de la función. Los personajes principales de la comedia dell' arte eran: Pantalón, el Doctor, el Capitán, el bufón y los enamorados, acompañados por personajes secundarios como scaramuccia -segundo capitán-, el mercader, el notario, el médico, el marinero, el correo, los esclavos, los ladrones, etc. Alrededor de estos personajes giraban todas las tramas y en estas condiciones se presentó un nuevo fenómeno en el que los actores decidieron especializarse en un solo personaje para el resto de su vida, adoptando cada actor características particulares en cada papel, es decir, existieron muchas variedades de Pantalón, incluso asumiendo nombres distintos y variaciones en su vestuario, o el ejemplo más claro es el de los bufones, en donde quizás el personaje más representativo de esta corriente es el Zani, y del cual hay innumerables ejemplos y de los que se derivaron el Arlequín, Polichinela, Brighella, etc.
Antes de profundizar un poco más en las características de los distintos personajes, hay que hablar sobre la máscara. Esta nace como un recurso para diferenciar al actor del personaje pero la especialización del actor en determinados caracteres dieron como resultado que la máscara y el comediante se fundieran a tal punto que la máscara asumió una personalidad propia. Cuando murió Domenico Biancolelli en Francia, los distintos medios de prensa anunciaban este suceso como "Arlequín ha muerto", era tan famoso su personaje que si su muerte se hubiera anunciado con el nombre de pila, muchos no entenderían de quien se trataba. En la época actual un ejemplo de ello podría ser "Cantinflas", mal llamado Mario Moreno. El actor de la comedia dell arte asumía su rol hasta la muerte y si se podía más allá de ella.
Pantalón era un viejo amargado, avaro, rezongón, sórdido, enemigo de la juventud, pero siempre burlado y esquilmado. Generalmente era un mercader rico, alguna vez llamado el magnifico, pero también apodado "de los menesterosos". Su figura era caracterizada por una máscara de nariz ganchuda y barba puntiaguda, utilizaba zapatos de punta levantada, y de su boca salían recurrentemente murmullos cavernosos, lamentaciones y maldiciones. De Pantalón se derivaron otras máscaras importantes como Pancrazio, Bernardote, el Barone y Pasquale.
Balanzón o el Doctor Graciano es otro personaje característico. Generalmente era un abogado o en algunos casos un médico, pero eso si representando siempre la bestialidad doctoral, o al que llamamos hoy como el intelectualoide. Este personaje tiene precedentes en las Nubes de Aristófanes como Sócrates y se le considera como un mentiroso y ventajoso. Su caracterización va acompañada de una toga negra de estudio de Bologna, lleva puesto un bonnet, guantes en la mano y un pañuelo en el cinturón. Maneja un dialecto "toscano" de tinte aristocrático y su mascara se caracteriza por una nariz ancha.
Al Capitán se le asocia con los fanfarrones de la comedia griega o al Miles Gloriosus de Plauto, o al "Bravo" de las sagradas representaciones medievales. Generalmente son militares fanfarrones y españoles, esto último quizás, debido a la rivalidad entre italianos y españoles.
Los bufones o Zani reemplazan a los criados de la comedia clásica, adquiriendo una mayor dimensión en la comedia dell ' arte. Normalmente en cada función hay dos: uno por cada bando. Vestían inicialmente de blanco pero en el mismo desarrollo de esta corriente y con la aparición de interesantes variaciones del Zani, estas características fueron cambiando. El primer Zani era Briguella, el criado pícaro, sutil e inteligente, el segundo era Arlequín: grosero, desvergonzado, perezoso, burlado y apaleado, es decir uno era el pícaro y el otro el tonto. Pero el personaje del Arlequín fue mutando y ese traje remendado fue adquiriendo parches coloridos, distintas combinaciones y formas, hasta llegar al traje más reconocido: un vestido lleno de rombos regulares y formas de vistosos colores. Para el público se convirtió en el personaje más importante llegando a la categoría de héroe cómico plebeyo. El Zani que siempre vistió tradicionalmente de Blanco fue Polichinela, el cual era una nueva variación del bufón que no le gusta hacer nada y suspira por los macarrones, se adaptó fácilmente a varios roles como ladrón, alcahuete y rufián; se embriaga, se deja apalear o cosas peores, es la confesión cómica del abandono popular ante los instintos, incluyendo los peores, y de los males que son resultado de este abandono; Otro enfoque de este personaje es la de un artista que canta y acepta el mundo con una filosofía especial. De estos Zani hay muchos descendientes famosos: Arlecchino, Truffaldino, Tabarrito, Torbellino, Bertolino, Passerino, Baggatino, etc. Scapino, por ejemplo es el preferido de Moliere y Pierrot, se convirtió en el personaje más famoso de Francia en el S. XVIII. Chaplin en el cine inmortalizó también al Zani con su personaje Charlot que enamoró a millones de espectadores en el mundo.
Los otros personajes que participaban dentro de este juego escénico y que tenían una importancia relevante eran los enamorados, quienes tenían que ceder sus ambiciones a la colaboración y participación de Pantalón, el doctor y los bufones, y dependiendo de esa conducta podrían concluir en un final feliz. Pantalón muchas veces era el padre de uno de los enamorados que se oponía al amor, el doctor era el hombre que deseaba el amor de la doncella a pesar de no ser correspondido, si no era así el Capitán asumía ese rol, y los criados eran los alcahuetes que intentaban enlazar a las almas enamoradas. Los nombres más comunes para estos enamorados eran, en el caso de los hombres, Cinzio, Fabricio, Orazio, Flavio y Lelio, yen el caso de las mujeres eran, Angélica, Ardelia, Aurelia, Lavinia e Isabella. La característica principal de estos personajes eran la elegancia, la apostura y la belleza, además de ser tradicionalmente convulsivos y frenéticos, pero combinado con algo de languidez.
La comedia dell arte se mantuvo viva durante un par de siglos, fue tan exitosa que se trasladó a distintas partes de Europa, sembrando nuevos adeptos en países como Francia, España e Inglaterra. La compañía teatral más famosa de esas épocas era la de los "Gelosi" integrada por grupos de diez a doce personas, tamaño tradicional de este tipo de compañías. Como se había dicho antes, cada actor se especializaba en un papel y así fue como se inmortalizaron actores como Martinelli, Tiberio Fiorelli y Domenico Biancolelli. Fue tanto el éxito de la comedia dell' arte que en Francia se consolidó una compañía, "Les comediens du roí" que adquirió el Teatro Petit-bourbon en 1661 y luego el teatro del' opera en París, pero como todo movimiento artístico llega a su periodo de decadencia y este se inicia cuando el arte de la improvisación se ve agotado y el público requiere historias más atractivas y novedosas. En este momento, en la primera mitad del S. XVIII, aparecen los dramaturgos Goldoni y Gozzi, especialmente el primero, que deciden renovar el espacio de la comedia y comienzan a realizar verdaderos libretos para los actores. Esta serie de cambios producen al principio una animadversión pero a medida que hay un mayor éxito y el actor cómico se siente más cómodo con este nuevo estilo, el teatro cómico de Goldoni va teniendo mayor preponderancia hasta hacer desaparecer la vieja comedia dell arte. ' El problema de esta corriente y a la vez su mayor virtud, era la confianza absoluta en la creatividad del actor, que desarrollaba su arte a pesar de la máscara, introduciendo contorsiones, piruetas, volteretas, saltos mortales y música -prácticamente todo actor sabía tocar algún instrumento musical-, pero en ocasiones esto no era suficiente, no todos los actores eran tan buenos y el público se cansó de esperar ver al gran actor, y a cambio de ello se encontraba con una serie de actores mediocres. Goldoni además abolió la presencia de la máscara, argumentando que no ver el rostro del actor le quitaba dramatismo al espectáculo -cabe resaltar aquí que solo los cuatro personajes principales utilizaban máscaras mientras que el resto de los personajes actuaban con el rostro descubierto- . En general Goldoni quería atribuir al teatro personajes más complejos, crítica social y fines morales, por tanto consolidar una estructura más realista, en donde era necesario tener un texto para no perder la unidad.
Al ser aceptados estos cambios la comedia dell' arte desapareció tal cual la conocemos y mutó a nuevas formas, es decir, en Inglaterra se amplio la Pantomima, en Francia el Vaudeville, y en general la nueva comedia, con Moliere, tuvo un nuevo aire. Grandes Dramaturgos como Shakespeare y Lope de vega introdujeron elementos de la comedia dell arte en sus trabajos y escritores de hoy como Darío Fo miran hacia el pasado para alimentarse de él. Aunque la comedia dell arte ha muerto, su alma sigue rondando y afortunadamente no nos va a dejar en paz.
BIBLIOGRAFIA
NICOLL, Allardyce. "El mundo del arlequín: estudio crítico de la comedia dellarte". Barral Editores. Barcelona, 1977.
D'AMICO, Silvio. "Historia del teatro universal". Volumen II. Editorial Losada. Buenos Aires, 1954.
[1] 1 NIcoll, Allardyce. "EL MUNDO DEL ARLEQUIN: ESTUDIO CRITICO DE LA COMEDIA DELL'ARTE". Barral Editores. Barcelona, 1977.
